4. Pédagogie

    Pour moi enseigner la musique c’est avant tout pouvoir faire partager ma passion, comme mes professeurs l’ont fait pour moi, et aussi donner des objectifs concrets aux élèves. Le but est qu’ils puissent rapidement être à l’aise en groupe, de la manière la plus adaptée à leur niveau. Il est important de savoir travailler seul mais je pense que c’est en groupe (à partir de deux personnes) que notre rapport à l’instrument s’exprime le mieux, tantôt accompagnateur, tantôt soliste. On peut de plus constater son évolution personnelle en fonction des morceaux que l’on est capable d’aborder.

 

    L’expérience que j’ai acquise au cours de nombreux concerts dans différents styles m’a fait comprendre qu’un batteur devait connaître quelques règles d’or avant de savoir jouer des doubles croches à 200 : connaître le tempo du morceau, savoir le démarrer, toujours savoir où on en est dans la structure, pouvoir adapter le choix des cymbales aux passages et au style du morceau, jouer ses rythmes régulièrement en ne plaçant les breaks qu’aux moments opportuns... Il est donc important de chercher à régulièrement progresser tout autant qu’il faut savoir être conscient de ses capacités, les accepter et savoir les exploiter au maximum. Ce n’est pas parce qu’on n’a pas un niveau énorme techniquement que l’on ne trouvera pas de groupe ; la maîtrise technique est importante, tout autant que le feeling, le côté humain, le professionnalisme et la musicalité. C’est pourquoi il est fondamental pour moi de partir des envies et des projets de l’élève afin de mettre en place un programme de cours composé de méthodes mais aussi de morceaux qu’il aime et qu’il voudrait pouvoir jouer à la batterie. Dans un premier temps il me propose des morceaux selon ses goûts et volontés, on détermine ensemble par lesquels commencer, puis je propose également des morceaux complémentaires. Je peux de plus écrire ou rechercher les partitions de ces morceaux pour pouvoir les lui donner une fois qu’il en a une bonne vision, cela lui permettra de voir comment les rythmes et les breaks qu’il joue s’écrivent.

  

    On entend souvent dire : « on peut avoir un mauvais groupe avec un bon batteur mais l’inverse n’est pas possible ». Même si c’est un peu réducteur, cela fait comprendre au musicien batteur l’importance de son rôle qui peut s’avérer être celui de chef d’orchestre du groupe. Il est en effet responsable du départ correct du morceau, de sa bonne tenue (nuances, tempo, groove) et des transitions entre les différentes parties. Je travaille donc à partir des méthodes Real Time Drums ainsi que plusieurs autres (Tommy Igoe, Dante Agostini, Rick Latham, Gary Chester, Hervé-Georges Torcheux, André Ceccarelli, Jim Chapin…) avec ou sans Cd de morceaux d’accompagnement. J’utilise également des feuilles d’échauffement de ma composition, des relevés et des partitions qui me permettront de travailler encore longtemps et donc également de faire travailler mes élèves.

    L’utilisation de morceaux sans batterie, connus ou non, utilisés dans leur version originale ou uniquement de travail, permet de jouer par-dessus de nombreux styles différents (tournes uniquement rythmiques ou accompagnement d’orchestre). J’apporte également beaucoup d’importance à l’écoute régulière de musique, au travail à l’oreille et au repiquage de batteurs existants. Etant de plus bassiste je peux travailler avec l’élève sur le groove basse/batterie, pilier fondateur des morceaux. Cela me permet de me placer juste à côté de l’élève pour pouvoir mieux observer ses mouvements, comme à la pédale de grosse caisse ou à la caisse claire.

  

    L’objectif pour les élèves est de savoir bien jouer ce qu’ils connaissent déjà et de le développer s’ils souhaitent se concentrer sur un style. On peut également en aborder d’autres (rock, jazz, metal, rock progressif, accompagnement de musiques traditionnelles, celtique, yiddish…), ce qui leur permet de s’ouvrir par le biais de l’écoute et de la pratique.

  

Le cours de 45mn se déroule en trois étapes :

1. échauffement : installation et réglages sur le kit, divers exercices techniques pour délier les mains et les pieds, avec et sans métronome.

2. travail technique : à partir de l’écoute mais aussi de relevés, de méthodes, de disques, de morceaux enregistrés avec et sans batterie, de vidéos, et à partir des suggestions et demandes des élèves.

3. écoute / improvisation : pour terminer la séance écoute d’un morceau, quel que soit son style. Adaptation du jeu de l’élève par-dessus (ou comment s’adapter à un morceau qu’on n’a jamais entendu), ressenti puis improvisation finale (travail sur ostinato, 4/4 entre élèves avec ou sans le professeur, solos, jeu rythmique d’une mélodie) à partir du morceau vu ou non.

  

    Dans tous types de travaux l’écoute est extrêmement importante car le batteur n’aura pas toujours une partition où tout est scrupuleusement noté. Allant dans ce sens, il sera fait à l’élève une initiation à la lecture de partition de batterie ainsi qu’au solfège et à l’harmonie (on y viendra quoi qu’il arrive par le biais de jeu autour de tournes typiques comme la grille de blues, l’anatole, le II/V/I…).

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